Insomnio del alma

◘ Integrada por un conjunto de veinticuatro obras

◘ Sus influencias en corrientes…

El pasado 25 de Septiembre dio inicio la exposición de pintura y dibujo titulada “Insomnio” del autor Eduardo Pola en la Galería de la Secretaría de Hacienda y Crédito Publico (SHCP), ubicado en la calle Guatemala 8, Centro Histórico.

La exposición está integrada por un conjunto de veinticuatro obras en las cuales se evidencia la ejecución de las técnicas del dibujo y la pintura entre ellas Leviatán realizada en acuarela e Insomnio a carbón. La muestra debe su nombre a la temática que se plantea en cada obra, la tenacidad y el dominio del oficio.

En ésta se pueden ver composiciones ordenadas de colores y líneas, signos y símbolos, de carácter humanista en las cuales el centro del universo es el hombre. Eduardo Paola se ha caracterizado por sus influencias en corrientes como el simbolismo, el neoclasicismo y el romanticismo.

Uno de los asistentes afirmó: “Es una experiencia visual grata, que nos acerca a la apreciación del arte figurativo posmoderno”. Ésta y otras exposiciones se pueden apreciar totalmente gratis gracias a la Oficialía Mayor, Dirección General del Promoción cultural, Obra Pública y Acervo Nacional de la SHCP.
Ivonne Aquino, FES-Aragón-UNAM

La cultura peninsular hace su aparición en el antiguo Colegio de San Ildefonso

Los Vientos del Oeste y del Este arriban a México
Ø Artistas de la talla de Picasso, Dalí y Miró conforman la selección

Del 29 de octubre del presente año al 4 de enero de 2009, se presenta por primera vez en México, en el Antiguo Colegio de San Ildefonso, ubicado en el Centro Histórico de la Ciudad de México, la muestra de arte Viento del Oeste, Viento del Este.

Compuesta por 65 obras y 40 artistas de origen español y portugués, la exhibición forma parte de la selección de Fondos de Arte Contemporáneo de la Colección Caixa Galicia, la cual cuenta con obras de Salvador Dalí, Joan Miró y Pablo Picasso. La exposición pretende dar a conocer el trabajo de los artistas contemporáneos españoles así como la de los grandes creadores artísticos que dieron origen al desarrollo cultural peninsular.

Además de la exhibición de pintura, dibujo, escultura y fotografía, la muestra contará con actividades como mesas redondas, visitas guiadas y talleres, para integrar al público en el marco artístico que ciñe la muestra. La admisión general a la exposición es de $45.00, para los estudiantes y maestros con credencial vigente es de $22.50 y martes entrada libre.

Fernanda Navarro, FES-Aragón-UNAM

Jamás tendrás insomnio

Insomnio es el nombre que le proporcionó Eduardo Pola, artista originario del Distrito Federal a la exposición de pintura integrada por 24 obras, la cual se puede apreciar en el Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público (SHCP), en el Centro de la Ciudad de México.

Las obras evidencian el virtuosismo pictórico del exponente, donde el estilo dramático demuestra como a través de las pinturas se puede llegar a un realismo inusual, ya que Eduardo Pola mantiene correspondencia con el simbolismo, el neoclasicismo y el romanticismo, tomando de ellos algunas características importantes para después transformarlas en sus propios principios a través de la filosofía, la historia y la actualidad.

Las imágenes demuestran no solo imágenes y figuras, sino que están en relación con líneas, signos, colores y símbolos, que a su vez estos caracteres se relacionan con la humanidad haciendo un breve recorrido por la historia mundial, desde la Segunda Guerra Mundial, La posmodernidad, la religión, invasiones del país mas poderoso del mundo hacia otros territorios.

La muestra insomnio debe su nombre a la necesidad que nace del artista por trabajar hasta el cansancio para transferir a la superficie la idea que habita su mente. Es una experiencia visual, grata y compleja, que parte de la representación realista, crítica y dramatizada para reinterpretar con crudeza, casi objetiva, los mitos y creencias derivados de la religión y la filosofía.

Los lienzos de Pola se insertan en el arte figurativo posmoderno, que en ocasiones suele transformarse en un cúmulo infinito de signos o un intrincado acertijo de referencias semánticas.

Escrito por la alumna Lourdes González Ambrosio estudiante de la Licenciatura en Comunicación y Periodismo de la Facultad de Estudios Superiores Aragón (FES) de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM)

Con insomnio jamás te aburres

En la galeria de la SHCP

Eduardo Pola originario del Distrito Federal, Ciudad de México, es el autor de la exposición titulada Insomnio que se encuentra instalada en la Galería de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público localizada en Guatemala #8 Centro Histórico México, compuesta por 24 obras este autor plasma en cada pintura su propio estilo y técnica dando un estilo dramático de realismo en sus dibujos y pinturas.

Entre las obras expuestas se encuentran: “Destrucción 2007”, “El niño 2007”, “Hombre derribando su cruz”, “Cuerpos humanos danzando”, “En cristal”, “Leviatán”, entre otras tantas, con técnicas utilizadas como el óleo, el grafito y la acuarela el autor demuestra su estilo ilusionista con lo que provee vida a personajes y atmósferas sui generis.

En las pinturas se pueden apreciar tópicos como la muerte, el clero, el cuerpo humano y la mutación dando con ello las bases del simbolismo, el neoclasicismo y el romanticismo.

El autor señala que el título de la obra se refiere a la experiencia propia que vive o vivió en la elaboración de sus 24 obras, también señala que cada expresión artística tiene principios filosóficos al igual que bases de semiología.

Pola trata de retomar la composición de pinturas Renacentistas con composiciones que plasman horror en cada color, cada línea, cada signo y símbolo con la idea de poner al hombre como el punto principal o el centro del cosmos, dándole un énfasis al ser humano de forma poética con el ideal humanista.

Esta exposición es una muestra del trabajo hecho en México y de las nuevas técnicas en las artes plásticas como lo es en este caso el arte figurativo posmoderno que Eduardo Pola deja ver en cada trazo de sus obras.

Autor: Urbina López Eduardo Rafael, FES-Aragón-UNAM

Colegio de San Ildefonso

El Colegio de San Ildefonso fue una de las instituciones educativas más importantes de la capital de la Nueva España. Su fundación por los Jesuitas data de 1588, como seminario donde residían los estudiantes de la Congregación. Hacia 1618 empezó a funcionar bajo el Patronato Real otorgado por Felipe III, estableciéndose así el Real y Más Antiguo Colegio de San Ildefonso.

La historia de esta fundación Jesuita concluyó para dar paso a la institución de espíritu liberal que sentaría las bases del nuevo sistema educativo y que más tarde llegaría a convertirse en el núcleo principal de la Universidad Nacional. En 1867, el gobierno de Benito Juárez emprendió una reforma en el campo de la educación y sus instituciones. La Ley Orgánica de Instrucción Pública creó la Escuela Nacional Preparatoria, que se estableció en el edificio del Colegio de San Ildefonso. Su primer director fue el doctor Gabino Barreda (1818-1881), quien llevó a cabo un innovador plan de estudios con base en los principios de la filosofía positivista de Augusto Comte.

En 1978 el inmueble dejó de ser sede del plantel nº 1 de la Escuela Nacional Preparatoria. En 1992 el edificio fue restaurado para albergar la exposición México: Esplendores de 30 siglos. Desde esa fecha, el Antiguo Colegio de San Ildefonso es un centro de arte, sede para exposiciones temporales de relevancia.

La participación de José Clemente Orozco en el proyecto de la Preparatoria inició en 1923 y concluyó en 1926. Durante ese periodo pintó los muros norte de los tres pisos del patio principal y del primer descanso del cubo de la escalera.

Murales de José Clemente Orozco (1883-1949)En la planta baja nos encontramos con los siguientes murales:
Maternidad, éste es el único panel que queda de la etapa inicial en la obra mural de Orozco. Es una obra con gran influencia del arte europeo del Renacimiento asociada a la pintura de Botticelli. En la época en que fue pintada, causó disgusto entre quienes llegaron a interpretar al personaje principal como una virgen desnuda con el niño en brazos. Sin embargo, el propio Orozco aclaró su intención de pintar no una virgen sino una madre.

Los aristócratas, en este mural el desfile de la clase alta podría aludir al grupo que en su momento censuró la obra de Orozco en la Preparatoria.Y otras como La Destrucción del Viejo Orden, La Trinchera, La Huelga, La trinidad Revolucionaria, El banquete de los ricos La basura social La acechanza La libertad.

El juicio final, es la representación irónica de un dios que sostiene el mundo sobre su regazo. A cada lado dos grupos perfectamente diferenciados: los ricos con aureolas y los pobres perseguidos por los demonios. La ley y la justicia, dos figuras bailan en aparente estado de ebriedad: el hombre que personifica la ley hace un guiño a la dama cuya actitud simboliza la justicia ciega y desequilibrada.

La alcancía
En el segundo piso hay siete murales con escenas que nos muestran al trabajo en el campo mexicano y a los preparativos para la lucha armada: Revolucionarios, La familia, La despedida, Trabajadores, La bendición, El sepulturero y Mujeres.
En los murales que se encuentran en las escaleras entre cada piso están los siguientes:
Cortés y La Malinche, es una muestra de la raza vencida, simbolizada por una figura de tez morena a quien no se le ve el rostro, surge el mestizaje a través de la unión de los dos personajes desnudos: Cortés en actitud dominante y La Malinche con los ojos cerrados en actitud sumisa y pasiva; Razas aborígenes, Franciscanos, Constructores, La bienvenida.
Y por último La juventud en el que Orozco plasmó la figura de un joven desnudo que parece iniciar una carrera hacia el futuro, hacia sus metas.
Esta muestra de hermosos murales en el Colegio de San Ildefonso es una gran oportunidad para observar muchos temas de relevancia como lo son la política, el poder, la revolución, la familia, la división de clases etc., que nos ayudaran a comprender con mas claridad la situación en que se vivía en la Ciudad de México en aquella época.
Por: Ravelo Díaz Leticia Anahí, Estudiante de Comunicación y Periodismo, Facultad de Estudios Superiores Aragón

Reflex: de lo ordinario a lo extraordinario

Juguetes, azúcar, diamantes dan forma a los extraordinario de Muniz

Caviar, chocolate, juguetes, azúcar, hilo, diamantes, etc., fueron elementos que por muy extraños que parezcan utilizó Vik Muniz para sus obras artísticas que desde el pasado 16 de abril se presentan en el Antiguo Colegio de San Ildefonso en la ciudad de México, en una exposición única llamada: Vik Muniz: Reflex, de lo ordinario a lo extraordinario.

Con nueve salas, se exhiben 173 fotografías divididas en 25 series y 3 piezas individuales, creadas desde finales de 1980 hasta 2005 (Lo mejor de la revista Life y Montones, respectivamente) por el pedagogo y escritor brasileño Vik Muniz.

Si bien al principio sus obras pueden dar el aspecto de un brillante doble sentido visual, también plantea complejos cuestionamientos sobre el modo en que se elabora, presenta e interpreta la información visual. La admisión general al museo tiene un costo de 45 pesos, estudiantes y profesores con credencial vigente reciben el 50% de descuento, es decir 22.50 pesos, mientras que niños menores de 12 años y adultos mayores tienen la entrada libre.

Manos a la obra al estilo Muniz

Dentro de esta exposición, la coordinación de servicios pedagógicos del museo, los fines de semana hay programadas actividades con relación a las fotografías y dibujos de la colección del brasileño, en donde los visitantes ponen a prueba su imaginación y destreza pues se pretende que en ellas hagan su propia interpretación de los visto en la obra de Muniz.

Nubes de dulce algodón tiene como principal objetivo que lo visitantes moldeen un algodón de azúcar para crear distintas formas según su imaginación y al mismo tiempo acercarse a los procesos creativos del singular artista carioca.

Con Tomate un chocoazucararenarte la dinámica es muy fácil son tres mesas con las cuales se presentaran distintas obras para que los participantes las llenen con alguno de los materiales que Vik Muniz utilizo en sus obras. Con estas actividades se invita a las personas a crear una obra de arte con materiales que el expositor utilizó.
Por Ivan Morales, FES-Aragón-UNAM

Vik Muniz: Reflex de lo ordinario a lo extraordinario

Desde el 16 de abril se expone en San Indelfonso la obra de este brasileño
· Con chocolate, diamantes, caviar y muchos otros materiales nos obliga a ver mas allá de una fotografía
· En 7 salas se dividen las fotografías de esculturas de ilusión óptica

Desde el pasado 16 de abril hasta el 14 de Septiembre se expone la obra de Vik Muniz llamada de lo Ordinario a lo Extraordinario en el antiguo Colegio de San Indelfonso. En sus obras de ilusión óptica, obliga al espectador a alejarse y darle la forma a lo que está viendo. La primera cédula es: Lo mejor de la revista Life que contiene los dibujos que realizó Muniz de las fotos de la cultura norteamericana de mediados del siglo XX, al retratar los dibujos suavizó la crudeza, y revivió los sentimientos de las personas que recordaban al ver las fotografías.

Las fotografías de pequeñas esculturas hechas con plastilina, a diferencia de las fotos de figuras hechas con algodón que evocan figuras, nos muestra a dibujos hechos con alambre para provocar múltiples lecturas, al igual que con los paisajes que realizó con hilo. Con retratos de azúcar, evoca a los niños que conoció en St Kitts, con imágenes de tierra emplea una técnica diferente, también juega con el polvo para crear mas imágenes.

Entre sus materiales también se encuentra la comida como el chocolate, salsa de tomate, mantequilla de cacahuate y mermelada, pero ahora con el mismo estilo de Andy Warhol, aludiendo que “una copia de una copia siempre resulta ser una pieza original”.

Con Imágenes de diamantes e Imágenes de caviar, Muniz nos lleva a lo elegante, a lo lujoso, con diamantes retrata divas del cine mundial como Elizabeth Taylor, bellísima y brillante, con el caviar nos muestra a otras estrellas del cine los monstruos que implican distintas connotaciones. Utilizando desechos Muniz intenta hacernos reflexionar, se inspira en obras de Goya. Para finalizar la exposición nos muestran imágenes con montones de objetos como juguetes y recrea la imagen con la que se da a conocer esta exposición el soldado hecho de soldaditos.
Por Ana Karen González, FES-Aragón-UNAM

Museo que interpreta el arte mexicano

El Museo Nacional de Arte se fundó en 1982. Hacia el año 2000, concluyó un largo proceso de remodelación y de actualización tecnológica y museológica a la manera de las grandes galerías del mundo y reabrió sus puertas al público como el MUNAL.

La exposición permanente que se exhibe en el Museo Nacional de Arte (MUNAL), ubicado en Tacuba 8, Centro Histórico 06010 Ciudad de México, edificio en el que antes era el Antiguo Palacio de Comunicaciones, expone pinturas de los años 1550 a 1955. La muestra se conforma de más de doscientas pinturas de artistas mexicanos y norteamericanos realizadas bajo distintas técnicas, entre otras: litografía, aguafuerte y xilografía, todas bajo temas mexicanos, el museo colecciona, conserva, exhibe, interpreta y comunica el arte mexicano.

Entre las salas se encuentran “Construcción de una nación”, donde los artistas buscaron dar una identidad a la Patria por medio del arte; “Literatura y academia”, esta sala muestra cómo, con la restauración de la República en 1867, se impulsaron en la Escuela Nacional de Bellas Artes temas de la mitología clásica y del romanticismo con una nueva interpretación; “Retrato del México moderno”, ilustra mediante un conjunto de pinturas, estampas y fotografías, la imagen que de sí misma construyó la sociedad mexicana del liberalismo triunfante y el porfiriato; “Una academia moderna” En esta sala se evidencian los cambios formales e iconográficos en el arte producido en la década del siglo XX, entre otras, en las que se apreciara el arte mexicano.

El MUNAL está organizado en tres niveles. En el segundo nivel comienza el recorrido histórico-artístico. Ahí se localizan las catorce salas de la colección de pintura virreinal y la primera parte de la colección del arte del siglo XIX, además de una sala Híper textual y dos Salas Monotemáticas. Asimismo se encuentra el Salón de las Recepciones.

En el primer piso están las salas de la Colección permanente (siglos XIX y XX), las salas de fotografía, las sala de colecciones especiales, los gabinetes de estampa y los espacios híper textuales. En la planta baja se ubican la sala principal de exposiciones temporales, el Patio de los Leones, los talleres de comunicación educativa y la tienda del museo, todo esto para pasar un rato agradable y ameno en el museo.
Por Nancy Astrid Bobadilla, estudiante FES-Aragón-UNAM

Casino español

Con el propósito de destacar los valores de la cultura hispano mexicana, el Casino Español ha llevado a cabo los últimos años un intenso programa de eventos de difusión cultural (conferencias, exposiciones de arte, presentación de libros, conciertos y recitales) con la participación de personalidades del arte, las letras y ciencias sociales.

En este recinto se pueden admirar las siguientes obras:
-retrato de los reyes Juan Carlos I y Sofía (2000) Marta Ramírez
- retrato de la reina Isabel II (1864) Pelegrín Clavé
- Retrato del rey Alfonso XII (1875) Fabernis
- Hernán Cortés (hacía 1900) atribuido a Cabra
- Magallanes (hacía 1900) atribuido a Cabra
- La colección completa de 37 retratos al óleo de la Galería de Presidentes, entre otras más.

Del 3 de marzo al 4 de abril se presentó la exposición titulada “Sazones y gustos” por Mauricio Siller Obregón.

Retrospectiva

Siller Obregón.

“Mezclar colores, dibujar, pintar, detallar, nos remite a cortar, a preparar, a sazonar, a cocinar con sabor sabroso. En el arte el gusto de cada quién, es la afirmación de la individualidad y de la libertad del ser humano. Como comer o respirar, el arte es acción cotidiana que posibilita la experiencia de vivir con intensidad, de expresarse y de dialogar”.
Dirección: Isabel la Católica 29, Centro Histórico, C.P. 06000 México, D.F.
Por Mariana Rentería, estudiante FES-Aragón-UNAM

Juanita Pérez y cómo nombrar las cosas

*Juanita Pérez nombra a las cosas según una secuencia autobiográfica
*Esta colección se perfila como una secuencia autobiográfica, que va desde EU hasta Colombia
*Su pintura es el espejo que refleja el binomio indisoluble que es su arte y su vida


El Centro Cultural Casa Lamm presenta el trabajo reciente de la artista colombiana Juanita Pérez, radicada desde hace años en la Ciudad de México. Bajo el título “Nombrar las cosas”, Pérez presenta sus obras dedicadas a la mesa, un artículo que no solo es un mueble en el hogar, sino un objeto importante en la vida de cualquier persona.

La colección pictórica de esta artista colombiana se perfila como una secuencia autobiográfica que va desde Colombia hasta Estados Unidos, pasando por la Ciudad de México y Tepoztlán, que más que un recorrido en camión o avión, denotan un viaje interior. El título que ésta muestra lleva revela la intención y la búsqueda particular que la artista propone en su trabajo. “Nombrar las cosas” para lograr que existan. Es a través de las palabras y por medio de la pintura que el mundo se vuelve a nombrar, logrando al mismo tiempo construir un nuevo universo, que no sólo clasifica, sino recuerda, y define nuevamente lo vivido, lo pensado.

Casi siempre aparece la mesa como el lugar donde los recuerdos pueden ser expuestos, una mesa que también permite la exploración formal y que festeja el encuentro de las vivencias personales y de los colores que se conviertes en aromas .Pérez logra crear presencias, y compartir sus recuerdos y anhelos con tan solo reflejarlo en una mesa.Juanita Pérez estudió Artes Plásticas en la Universidad Nacional de Bogotá y, en 1977, viajó a los Estados Unidos para realizar una maestría en Grabado. Permaneció en California hasta 1987, cuando se trasladó a México, donde vive y trabaja desde esa fecha. Su obra ha sido expuesta en varias ciudades y museos estadounidenses y de otros países como Suiza, Venezuela, Colombia, etc. En la exposición que se presenta actualmente, Juanita Pérez se ha dispuesto a nombrar las cosas.

Disponer sobre la mesa los sentimientos, los deseos, los recuerdos, los pensamientos impregnados de nostalgia, para poder vislumbrarlos como espectadora, como observadora que exhibe sus cuitas internas para mejor conocerse –o reconocerse– y para intentar entenderse al observarse.

Pero las mesas sirven para muchas cosas más, y por eso Juanita las elige como motivo principal en su serie de pinturas recientes. La mesa es un objeto cotidiano y un espacio vital que evoca y convoca: centro de reunión, núcleo de convivencia; la mesa testimonia tribulaciones, alegrías, confidencias, goces y penurias. Cuántas historias se urden alrededor de las mesas, En los lienzos que integran esta muestra, Juanita pinta mesas que son referencias simbólicas y meros pretextos compositivos, elevando un objeto de uso doméstico a metáfora poética.

Germaine Gómez Haro comentó: “he seguido de cerca el trabajo de Juanita Pérez Adelman desde 1951, ya hace varios años, y me resulta gratificante constatar su empeño en consolidar un lenguaje pictórico que en cada exposición denota una maduración técnica y estilística. El rigor con el que ha desarrollado su oficio queda patente en sus lienzos cargados de texturas en los que consigue el difícil equilibrio entre las gruesas capas matéricas y el colorido explosivo que han caracterizado su pintura. Su formación en las artes gráficas se percibe en su gusto por esgrafiar signos y referencias textuales entre los elementos de muy diversa índole que incorpora a sus composiciones. El resultado es una afortunada mezcla de pintura y collage donde su léxico aparentemente abstracto propone al espectador muy variadas lecturas a partir de evocaciones figurativas apenas perceptibles”.

“Juanita es una viajera incansable que recorre con pasos sigilosos su territorio interior. Su trabajo es una suerte de registro de su tránsito por los vericuetos del alma y los parajes de su imaginación. Una obra que invita a leer entre líneas, a mirar más allá de lo que se ve, a ser palpada con los ojos y mirada con el corazón. Al nombrar las cosas, Juanita medita y conceptualiza sus búsquedas y preocupaciones. Su pintura es el espejo que refleja el binomio indisoluble que es su arte y su vida”.
Por Miriam Maltos, estudiante FES-Aragón-UNAM

Los horizontes del Talamo

* Del miércoles 27 de Febrero al miércoles 16 de Abril de 2008
* Álvaro Obregón 99 Col. Roma, México D.F. 06700
* Centro de cultura Casa Lamm

La pintura de Ricardo Fernández nos entrega a la luz y el color renovados de los temas que él ha escogido como fuentes plásticas y de diálogo artístico: la intimidad de la expresión femenina y los espacios imaginarios. El autor registra la experiencia trasladada al lienzo de la gran dualidad hombre/mujer. Cada obra hace referencia a elementos palpables del contacto entre los compañeros sentimentales: lo erótico, lo íntimo, lo doméstico, pero también traslada, mediante su pincel, a un mundo plástico, en el que las figuras sirven para crear amplios espacios figurativos en los que se festeja el color. Podemos observar que enfatiza el uso del blanco y el rojo, para dar el mayor efecto posible, como lo podemos observar en pinturas como “El cuarto sueño” o “Barlovento”.

Ricardo Fernández da prioridad a la presencia femenina en sus obras que son espacios donde la mujer es un personaje que nos sugiere mensajes inciertos. La exquisitez de la mujer de Fernández Ortega nos lleva a un refinamiento, que alude y festeja a la femineidad. La expresión es un cruce entre intimidad, éxtasis y demás sentimientos que mezclados en el pincel de este pintor, dan la sensación de que sus obras son un tributo a la mujer.

La esfera doméstica en Fernández es un pretexto para congelar en el tiempo un espacio, un momento, un foco lumínico. Es su observación de las dependencias hogareñas, el artista reflexiona sobre las posibilidades cromáticas del lugar. Los espacios celebran los colores, la luz y el momento incierto. Así, en lo cotidiano no hay tiempo ni hay momento definido, sino una celebración de las formas, de las sombras y matices y la observación de lo natural.

Entre las obras que destacan en esta exposición son: “Vida Breve”, “Crisálida”, “Cortejo” y “Aceite para una mujer casadera”. En general podría decir que la exposición es excelente el autor cumple con el objetivo, transmite sentimientos y hace que el espectador se introduzca en aquel mundo que a pinceladas trata de crear.

Por Maricela Corona, estudiante de Comunicación y Periodismo FES Aragón

La Casa Azul

Retrato de una vida

Esta casa tiene algo muy especial se encuentra en la calle de París en Coyoácan, es especial por que ahí nació y ahí mismo murió Frida kahlo y ahora es uno de los museos mas importantes e interesantes de México. En los muros se puede ver plasmada la vida de la artista, su vida en ese lugar que te hace imaginar todo lo que sucedía ahí lo emocionante del recorrido es que a diferencia de otros museos en éste estás en su casa eso lo hace un recorrido muy ameno.

La casa o el museo está lleno de contrastes ya que algunas partes de la casa están muy coloridas con pinturas muy alegres y por otra parte el lado doloroso de la artista están sus corsés algunos de yeso decorados y otros de cuero provocando que imagines la tortura que vivió al utilizarlos.

Estando ahí por un momento te sientes como un intruso estar dentro de una casa y observando tantas cosas personales de la artista que te hacen creer eso viendo los pinceles que utilizó los caballetes donde hacía sus obras la colección de mariposas es impresionante de la misma forma que lo son las obras y también su colección de vestidos. Siempre comprometida con la izquierda y se hace notar en la casa un toque de marxismo que se respira en la gran casa azul.

El estudio que ahí mismo le construyo Diego su esposo es una de las partes más interesantes del museo tiene varias obras y autorretratos siendo así la casa azul uno de nuestros grandes tesoros.
Por Arturo González Hernández, estudiante de Comunicación y Periodismo, FES=Aragón

James Oles y MAM a favor de la aceptación visual

▪ Una exposición con arte moderno mexicano de la primera mitad, siglo XX

A partir del 9 de noviembre de 2007 al 6 de julio de 2008, el Museo de Arte Moderno, ubicado en paseo de la reforma y Gandhi s/n, Bosque de Chapultepec, exhibe las obras y selecciones de su colección.

Propagada por James Oles historiador de arte, esta muestra propone la investigación sobre el peso del realismo en la definición y aceptación de la modernidad visual en México. La exhibición abarca el arte moderno mexicano desde la primera mitad del siglo XX, desde el llamado simbolismo hasta el impacto del surrealismo europeo en los años cuarenta. Esta selección mantiene un orden de tiempo, que intenta dar énfasis en bloques y obras temáticos. La colección exhibida en el MAM fue integrada por préstamos de colecciones privadas con obras, géneros y autores. Además de el peso del realismo se encuentran montadas: la tradición de las rupturas del 14 de febrero al 27 de julio, Remedios Varo. Colección Isabel Gruen Varsoviano. En Memoria del 14 de febrero a 27 de julio y el controversial Felipe Ehrenberg. El horario es de martes a domingo, de 10:00 a 18:00. Entrada general $ 20.00, estudiantes, maestros, jubilados e INSEN, entrada libre con credencial vigente.

Por Erika Marín, estudiante de Comunicación y Periodismo, FES-Aragón

Museo Nacional de Arte (MUNAL)

Uno de los recintos mas conocidos del centro histórico se encuentra ubicado en el número 8 de la calle de Tacuba y es sin lugar a duda el Museo Nacional de Arte. Creado en 1982, el MUNAL ha abierto las puertas al público en general que puede realizar un amplio recorrido de arte en sus tres niveles.

En el segundo nivel comienza el recorrido artístico histórico. Ahí se localizan las catorce salas de la colección de pintura virreinal y la primera parte de la colección de arte del siglo XIX, además de una sala hipertextual y dos salas monotemáticas. Asimismo, se encuentra el salón de recepciones. En el primer piso están las salas de colección permanente (siglo XIX y XX), las salas de fotografía, las salas de colecciones espaciales, los gabinetes de estampa y los espacios hipertextuales. En la planta baja se ubica la parte principal de exposiciones temporales, el Patio de los Leones, los talleres de comunicación educativa y la tienda del museo. Para finalizar el tercer nivel alberga las oficinas administrativas.

El museo alberga una gran panorámica del arte mexicano que va desde el año 1550 hasta 1954. Su colección incluye obras de grandes artistas mexicanos como la dinastía de los Juárez y los Echave, Juan Cordero, José maría Velasco, José Clemente Orozco, Diego Rivera, Ángel Zárraga, David Alfaro Sequeiros, por solo mencionar algunos de los grandes autores que han nutrido la vida artística del país de forma visual.

En la fachada del museo cubierta de piedra del estado de Tlaxcala, se puede apreciar el trabajo impecable diseñado por Silvio Contri en la época del porfiriato cuando el ahora museo era el Ministerio de Comunicaciones. La conservación de aquel sitio arquitectónico enriquece la ciudad y le da el valor de histórico al centro, ya que como éste, hay muchos lugares que ayudan a preservar la vida cultural en el corazón de la ciudad. El museo también puede ser visitado de manera virtual, entrando al sitio www.munal.com.mx en el que se brinda más información acerca de la historia y las exposiciones que se exhiben.

Por Julio Guzmán, estudiante de Comunicación y Periodismo, FES-Aragón

MUNAL: Casa temporal de las obras de Raquel Tibol

El Museo Nacional de Arte (MUNAL), ubicado en la calle de Tacuba, en el centro histórico de la Cd. de México, alberga, en sus dos pisos y más de 30 salas, pinturas impresionantes, que van desde el siglo XVI hasta la primera mitad del siglo XX. El museo se fundó en 1982, actualmente, exhibe, estudia y difunde el arte mexicano e internacional.

El recorrido comienza en el segundo piso, donde podemos apreciar pinturas religiosas de vírgenes, santos y sacerdotes de el sigo XVI, todas ellas hechas con técnicas como el óleo. También se pueden apreciar algunas esculturas de mármol y yeso. En las pinturas se aprecia la calidad del arte ya que son de gran tamaño, aproximadamente de 3 metros de alto, lo que muestra la dificultad del artista al realizarlas. En las últimas salas, podemos ver pinturas de personajes importantes e históricos, como como Cristóbal Colón, entre otros.

En el primer piso se presentan pinturas más recientes, con distintas técnicas como la acuarela, que retratan escenas diferentes, paisajes y lugares. Asimismo, se agregaron salas interactivas.

En esta ocasión, el museo está presentando un homenaje a Raquel Tibol, crítica de arte, periodista y biógrafa de Frida Kahlo; exponiendo todas sus obras literarias, así como videos de su vida y fotografías en las que se le muestra con personajes como Fidel Castro.

Raquel Tibol, una mujer que ha convivido con personalidades como Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, Frida Kahlo, etc., y de quienes escribió innumerables libros. Una enciclopedia andante, una mujer digna de admiración, llamada por algunos, “la luz del arte”. A lo largo de su larga carrera ha colaborado con el diario Excélsior, las revistas Proceso y México en la Cultura, y con diversas publicaciones mexicanas y de otros países latinoamericanos.

El museo es muy accesible en precios, por lo que recomendaría ir y apreciar un arte muy realista, con pinturas que parecen salirse de los marcos, que parecen tener vida. El MUNAL, es visitado por personas de todas las edades, es muy grande y a veces no se puede recorrer todo en un día, pero vale la pena repetir la experiencia.
Por: Elizabeth González Garduño, estudiante de Comunicación y Periodismo en la FES Aragón.

Luz de España

El colorido de la exposición es muy grata, aparte de conocer un poco de cómo era la antigua España. La grandiosa magia de la pintura española se ve reflejada en cada pincelada de las pinturas ahí expuestas, con maravillosos pintores españoles que nos dejan ver como somos en el presente a través de las huellas en sus obras pasadas.

Iris de Emilio Sala Francés, pintada en 1902, muestra a una dama con vestido azul y el viento soplando sobre ella con una magia de técnica óleo sobre tela, que parece un ángel retratado en colores. Santa Lucía de Francisco De Zurbara pintada en 1630, expresa la santidad con magnifico realismo. El retrado del escultor Mariano de Joaquín Suralla y Bastida pintado en 1917, es admirable. El retrato de Teodora La Madrid de Federico De Madrazo Y Kuntz en 1852, artista que actuó en teatro, hizo opera y viajó a presentarse en varios países europeos y americanos dejando marca en el país vasco como una de las mejores artistas.

Por último, es de destacar El hijo pródigo entre los cerdos de Bartolomé Esteban Murillo, una obra que demuestra la realidad de la vida, tomada de una parte de la Biblia, Murillo logra ponerla en una realidad que a todos afecta de la riqueza a la pobreza por exceso de egoísmo.

Por Yareli Aguilar, estudiante de Comunicación y Periodismo, FES-Aragón

Exposición de Juanita Pérez

Nombrar las cosas… para lograr que existan; papel, algodón y tela.

Es a través de las palabras y por medio de la pintura que el mundo se vuelve.

Centro Cultural la Casa Lamm presenta el trabajo reciente de la artista colombiana Juanita Pérez, radicada desde hace años en la Ciudad de México. Bajo el título “Nombrar las cosas”, Pérez presenta la obra en técnica mixta sobre papel algodón y tela. El título de esta muestra revela la intención y la búsqueda particular que la artista propone en su trabajo. “Nombrar las cosas” para lograr que existan. Es a través de las palabras y por medio de la pintura que el mundo se vuelve a nombrar, logrando al mismo tiempo construir un nuevo universo, que no sólo clasifica, sino recuerda, y define nuevamente lo vivido, lo pensado.

Casi siempre aparece la mesa como el lugar donde los recuerdos pueden ser expuestos, una mesa que también permite la exploración formal y que festeja el encuentro de las vivencias personales y de los colores que se conviertes en aromas .Pérez logra crear presencias, y compartir sus recuerdos y anhelos. La crítica de arte Germaine Gómez Haro dijo: “Su pintura es el itinerario de su tránsito por los vericuetos del alma y los parajes de su imaginación. Una pintura que invita a leer entre líneas, a mirar más allá de lo que se ve...”.

La muestra permanecerá abierta al público hasta el próximo 16 de abril en la galería planta alta del Centro Cultural Casa Lamm, ubicado en Álvaro Obregón, número 99, colonia Roma.

Por Laura Amezcua, estudiante de Comunicación y Periodismo, FES-Aragón

El Impresionismo en México: Joaquín Clausell

El Museo de la Ciudad de México, presenta temporalmente las obras en caballete del pintor mexicano.

México, D.F. El pasado 14 de marzo, en el Museo de la Ciudad de México, se inauguró la exposición temporal de las obras en de uno de los máximos representantes del impresionismo en México, Joaquín Clausell. La exhibición forma parte del que fuera el estudio personal del pintor durante su vida en el México de la Revolución. Clausell fue un impresionista del tiempo del porfiriato en México, y su obra refleja el acontecer propio de la Revolución Mexicana y la tensión política; pero esencialmente la revuelta social de la época. Por ello, sus óleos se observan y entienden como una composición de varias pequeñas “ventanas” o escenas que combinadas entre sí crean en el espectador el efecto de diversos escenarios plasmados en una misma pintura.

En los espacios de la sala que lleva su nombre, se pueden apreciar grandes murales que cubren en su totalidad las cuatro paredes. En cada uno de ellos resalta la luz y el colorido propios de la corriente del impresionismo, y las características de los paisajes, destacan entre las siluetas propias de objetos y seres inanimados.

La mayor parte de las obras de Clausell la constituyen los panoramas de ríos, mares, bosques, praderas, campos y de más elementos naturales con intensos y variados matices que provocan en el espectador una sensación de perspectiva. Las figuras humanas en situaciones de trabajo, guerra, reflexión, sufrimiento; e incluso en momentos de oración y plegaria, son otros de los recursos frecuentemente utilizados. Sin embargo todos llevan en común una fórmula y es que están en pleno contacto con la naturaleza.

Entre los óleos más destacados que se pueden apreciar están La ola roja, Parque, Fuentes Brotantes y Rocas en el mar y varias pequeñas escenas de su estudio que no llevan título. Los cuadros son parte del acervo cultural del Museo Nacional de Arte, el cual, en convenio con la Secretaría de Cultura del Distrito Federal, ofreció reunir la galería en lienzo y el trabajo mural en un mismo espacio. La muestra en óleo se presentará por única ocasión hasta el próximo mes de abril.
Por Sara Rodríguez Fernández, estudiante de Comunicación y Periodismo, FES-Aragón

Museo Franz Mayor abre sus puertas a vacacionistas

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Exposiciones culturales en la Ciudad de México.
Pintura, arte y cultura dentro de un mismo recinto

Durante el periodo vacacional se presentaron varias opciones, para aquellas personas que no pudieron salir de la abarrotada Ciudad de México. Una de las opciones se presentó en el Museo Franz Mayer ubicado en la Av. Hidalgo, dentro del Centro Histórico.

El museo, un edificio notable de la segunda mitad del siglo XVIII, tiene variadas exposiciones nacionales e internacionales, así como temporales y permanentes que dan al público un gusto cultural muy variado.

Una de las principales exposiciones es la colección de pintura novohispana, derivada de la cultura mexicana y europea, la cual, constituye uno de los fondos más importantes de la pinacoteca, con más de sesenta piezas realizadas entre los siglos XVI y XVIII. Dentro de los artitas de las obras destacan nombres como Juan Correa, Manuel Arrellano, Antonio Sánchez Salmeron, Miguel Cabrera, Juan Tinoco, entre otros artistas desconocidos de excelente factura. La mayoría de estas pinturas tienen técnicas, como mosaicos de plumas, enconchados y aquellas pintadas sobre tablas, telas y láminas.

Por otra parte existen otras exposiciones culturales dentro del recinto como la de Marimekko (textil, moda e interiores), proveniente del Desingmuseo de Helsinki, la cual incluye diseño textil y de moda de la década de los cincuenta. La exposición de Fiskars Village (diseñadores, artesanos y artistas de Finlandia), que presenta trabajos de cerámica, fotografía, pintura, escultura, mobiliario y joyería.

El museo esta abierto de martes a domingo de 10:00 a 17:00 horas y miércoles de 10:00 a 19:00 horas, con un costo de admisión general de $35 y para estudiantes y profesores de $17.
Por Erick Revelo, estudiante de Comunicación y Periodismo, FES-Aragón

Construcción de una nación

Es una de las tres clasificaciones que ofrece el Museo Nacional de Arte en donde retrata la pintura en México y sus diferentes facetas. A su vez esta clasificación tiene 8 salas donde nos presentan las diferentes propuestas de pintores mexicanos que trataron de dar un nuevo sentido del arte en nuestro país; autores como José María Velasco buscaban dar una identidad a la patria.

Las pinturas muestran a un México durante la época del liberalismo triunfante y principios del porfiriato, a lo largo del recorrido nos vamos empapando de información y admiración de una nación que pocos conocen de esa forma. Al paso del tiempo México mezcla algunas de sus vanguardias con las tendencias europeas que predominaban en esa época.

Al final del recorrido se exponen imágenes que reflejan temas bíblicos, religioso, y admiración por los cuerpos desnudos. Esta exposición permanente en el museo, se encuentra en el segundo piso y tiene un precio de 15 pesos a estudiantes con credencial vigente y 30 pesos a publico general

Por Alan Sánchez, estudiante de Comunicación y Periodismo, FES-Aragón